美术鉴赏论文六篇
鉴赏是对文物和艺术品的鉴定和鉴赏。人们感知、理解和判断艺术形象的思维活动和过程。 以下是为大家整理的关于美术鉴赏论文的文章6篇 ,欢迎品鉴！
【篇1】美术鉴赏论文
转眼间，一学期又接近了尾声。经过一学期的学习,虽然在美术专业知识方面并未获得太多的了解，然而，我却从这门课中了解到很多美术方面的基本知识，并且了解到一些早期的绘画作品，增长了自己的见识。其中令我最为深刻的就是老师给我们讲解有关达文西的相关知识时，给我们放了一个有关“蒙娜丽莎”的视频。这个视频主要讲述了《蒙娜丽莎》的创作背景、画中人物的身份之谜以及传达的思想内涵等等。在看这个视频之前，我时常觉得《蒙娜丽莎》这幅作品没有可贵之处，毕竟对美术方面没有太多的关注与了解。而当我看完之后，我终于理解了为什么那么多人称它为经典之作，为什么她的微笑会令那么多人神往。
《蒙娜丽莎》是意大利著名画家达.芬奇在1503年到1507年间创作的，它代表达.芬奇的最高艺术成就。成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。如今，蒙娜丽莎坐在卢浮宫一处显要的位置，隔着厚厚的防弹玻璃，每天以我们熟知的、神秘而永恒的微笑迎候数以万计的来访者。这些朝圣般的观众心中装着各式疑问，他们渴望通过这一张温柔娴静的脸庞读出答案，然而离开时却将更多的问题带走。
画中人物坐姿优雅,笑容微妙,背景山水幽深茫茫,淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“空气透视”般的笔法。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合,对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位,也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系,达到神韵之境。
首先是微笑的神秘，有时觉得她笑得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时像是略含哀伤，有时甚至显出讥嘲和揶揄。在一幅画中，光线的变化不能像在雕塑中产生那样大的差别。但在蒙娜丽莎的脸上，微暗的阴影时隐时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱。而人的笑容主要表现在眼角和嘴角上，达.芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定的“神秘的微笑”。
其次，蒙娜丽莎的真实身份为其添了一份神秘感。达芬奇不仅是文艺复兴时期意大利杰出画家，还在科学和哲学领域表现出过人能力，热衷于用符号和密码来传递信息。意大利国家文化遗产理事会主席西尔瓦诺·温切蒂借助显微镜观察油画中蒙娜丽莎的眼睛，发现了微小字符。发现眼中字符为蒙娜丽莎的真实身份更添神秘色彩。温切蒂推测，达·芬奇希望别人从蒙娜丽莎眼睛里发现她究竟是谁。名画问世后，人们对蒙娜丽莎的真实身份一直存在争议。
流传较广的一种说法是，她真名为莉萨·盖拉尔迪尼，是意大利佛罗伦萨一名商人的妻子;一些历史学家认为，蒙娜丽莎是达·芬奇的自画像，因为达·芬奇是同性恋，感情生活不为人知，所以他把自己画成女人形象;而美国作家丹·布朗在其所著的《达芬奇密码》一书中提到，蒙娜丽莎这个名字可能是字谜，暗指一位埃及神明。
再次，《蒙娜丽莎》背景之谜也引起很多人对其的不断的研究与探讨。加利福尼亚大学教授卡罗·佩德雷蒂认为，蒙娜丽莎身后的背景是意大利中部阿雷佐市布里阿诺桥附近的景色。佩德雷蒂的证据是，达·芬奇出生在距阿雷佐约100公里的芬奇镇，并曾经在阿雷佐生活过，这一地区的原始景观与《蒙娜丽莎》的背景几乎完全一样，因此，达·芬奇很有可能采用这一地区的田园景色作为《蒙娜丽莎》的背景。当佩德雷蒂的这一观点在达.芬奇绘画国际研讨会上宣布后，许多美术史专家都对他的研究结果表示肯定。
最后，最值得人们深思的是，《蒙娜丽莎》究竟想要传达的思想是什么?作者之所以创作这样一幅作品是有着怎样的思想寄托?
画中的蒙娜丽莎，从微笑中不仅显示出她的温雅、高尚和愉快，也显示出对新世界和新生活的欢欣和喜悦。这里没有丝毫的怀疑和恐惧，没有中世纪画家笔下人物的呆板、僵冷和对世界充满恐惧的踪影。也不像中世纪画像中那种作为神的奴仆的毫无生机的人，蒙娜丽莎是一个充满着青春和生命力的有血有肉的形象。达·芬奇用他的“蒙娜丽莎”，展示了那个伟大时代的人们新的精神风貌，揭示了人们对新生活的向往、乐观与自信。同时，也表达了他对解脱神的枷锁后的人以及人的美的热情赞颂。蒙娜丽莎的微笑，使这一人物形象具有了无限深广的意境。《蒙娜丽莎》具有了强烈的时代精神，蒙娜丽莎的微笑不仅成为了这幅肖像画的重要特征，而且成为文艺复兴时期女性美的典型，生动地体现了一个新时代的精神美。
达·芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯，代之以正面的胸像构图,透视点略微上升，使构图呈金字塔形，蒙娜·丽莎就显得更加端庄、稳重。在作画时，勾起了达?芬奇对生母阿尔别的回忆，似乎从丽莎的身影中看到生母的形象，丽莎成了阿尔别拉的神秘化身。因此，大师在画丽莎时，是用真诚而纯洁的情感去描绘的，他用对母亲和情人的双重情感来尽情描绘此人的肖像。不仅如此，他还把她作为一种理想，一种美的象征，作为人类世界的欢乐和光明来描绘，他要把自己的美感和体验，用画笔传达给所有的人。文艺复兴的到来使神从神坛上走下来，成为有血有肉、有情有欲的人。
蒙娜丽莎，这是一个永远探讨不完的问题。自问世至今，将近五百年，后人不知做过多少品评和揣测，留下越来越多的迷局。当今，世上有研究《蒙娜丽莎》的专著数百部，而有近百名学者将此画作为终身课题。时间的.推移不会使疑团得到解决，只会随着研究的深入，将更多的疑惑留给后人。《蒙娜丽莎》的成功，在于作者准确的捕捉到了模特儿最微妙的表情和最动人的瞬间。达·芬奇这种现实主义的创作方法使蒙娜丽莎富有魅力的青春被永恒而鲜活的留在画面上。《蒙娜丽莎》如亮丽的玫瑰刺破了午夜的黑暗与沉寂，给人们的心注入一缕芬芳与希望，成为画家可以放开手脚倾心颂扬真善美的象征，成为西欧人结束了漫长中世纪痛苦生活的标志，如恩格斯所说的“这是人经受煎熬而取得的最伟大的进步的转折点”。这正是《蒙娜丽莎》历史意义所在。
我们生活中离不开审美活动的过程，即感受美、理解美、创造美或审美的发现、艺术的构思、情感的表达。因为我们在创作活动中，“不仅是单纯的美术技法，而是艺术情感的表达来实现审美的价值。”无疑，蒙娜丽莎是美的，她的美充分体现在人性美上，而不局限于女性特征;或者说，她的美已经超越了性别阻隔，但这并不等于连性别都分辩不出。对于显而易见的事实还要发出荒唐的疑问，若不是别有用心也是无聊之极了。面对一幅分明令人愉悦的肖像却偏要说甚么面部麻痹症，这简直令人愤慨。人们惊叹达.芬奇卓越的绘画技巧：画中人由面部五官到双手，再到身体的其他部分，包括衣着穿戴，每一处都那么真实可感，几乎伸手可及，这是凭空想象无法完成的。倘若没有真实人物作参照，达.芬奇纵然有天大的才气也不可能画得如此生动细腻。有人要问，画中人的眼神、她的笑意是那么遥远和不辩深意，那是其人所独有的吗?为什么今人就摹仿不出?其实这样的问题很好解答。每一个了解绘画的人都懂得，肖像画并不等同于人物原型。一幅好的肖像画首先要体现作者与表现对象间的互动;画家将自己的智慧、情感、人生理念、精神渴求等等都融铸进了画中人物，这样观众从画面上读到的肯定比真实人物要丰富的多。我们了解了达.芬奇的生平，认识了他在诸多领域的非凡造诣之后，上述问题也就迎刃而解。既如此，那么画中人究竟是谁的妻子、叫什么名字就不重要了，她是达·芬奇全部艺术才情的汇聚，也是他理想人格的集中体现。从这个意义上说，她不是任何人的妻子，她是一个超乎常规限定的完美人性。
通过这次的学习,我在个人的美术鉴赏和美术基础知识掌握方面都得到了很大程度的提高,同时也改变了我一直以来对于美术的观念。之前，我认为美术并不重要，它只是为那些专业学生提供服务的，而现在我发现美术绝不仅仅是画画，它可以表现很多内容，传达很多我们内心的情感。最重要的是学习它可以让我了解更多不曾了解的“经典”以及未曾接触过的文化。
【篇2】美术鉴赏论文
这学期，我们开设了美术鉴赏这门课，通过对这门课的学习，我有了很大的收获和体会，我发现美术是一种富有内涵，表现形式多样，意义深刻悠远的艺术形式。老师讲课的内容和上课的气氛让我觉得很愉悦，课堂上我也学到了很多知识，让我学会了如何真正的去欣赏一幅画，从它给人的第一直观感觉到它所真正表达的内涵以及再想象出画家在作这幅画的时候是什么样的心情。跟着老师的思路的见解，我不仅领略到了大作的美还领悟到生活中处处充满了美。
时代变迁，各个时代有它不同的主流艺术。欧洲文艺复兴时期，终于有人意识到人性的意义。以坚持现实主义方法和体现人文主义思想为宗旨，艺术家们创造了符合现实人性的崭新艺术。以意大利的达•芬奇、米开朗基罗和拉斐尔为首的14-16世纪的文艺复兴，为了回归人性的自由，他们高举古希腊古罗马艺术精神的旗帜，创造出的人物形象或雄伟健壮，气魄浑宏，或秀美典雅，高于平凡。艺术不再被教条所禁锢，人文的力量再一次被发扬出来。看着那个时代的不朽之作，即使是色彩不再光鲜，甚至不再完整，我依然可以想象出它们当年所能引起的轰动。同样在看到古希腊、古罗马的那些完美绝伦的雕塑时，我也一再惊讶于他们那天神一般让人只能仰视的造型。复兴，这个词的意义就在于告诉我们那一切曾经发生过，也会一直焕发夺目的光彩。在描绘教堂壁画的时候，米开朗基罗可以仰着脖子几天几夜，即使自觉已到极限，依然无法停下手中的创作；为了逼真的描绘人的肢体动作，达芬奇不惜去盗取人的尸体，只为了解人体的构造，在那样一个时代，这样做是难以被世人所认同的。对于达芬奇，似乎有一句很著名的话，说天才和疯子只有一线之隔。我并不十分赞同这句话。艺术创作不是每个人都能做得出来的。所以它们必定要经历某些不寻常的过程，而我们大多看到的只是结果。而且，就算是在做不是普通人会做的事情，他们很清楚他们在干什么。如果我们能够更加理解那些过程，我相信，这些艺术带来的将不仅仅是享受。 尼采说，美术是日神的造物，而与之相对的酒神则是掌管音乐的祭司。前者有各种各样的限制，如颜色的调配，画布的尺寸，是一种节制的艺术。而在我看来，二者的美虽然在形式上有所不同，但它们都能带给人心灵的震颤。而那种美所带给人的享受，将拯救人于苦难的水火之中，甚至在人太过沉醉时发出警告——它总是在关键时刻告诉人们——这就是人类存在的意义。某一时期所发生的重大事件构成的时代特征，让那个时代的人选择接受什么样的艺术。因而如今你的我们在看美术的历史的时候，经常会看到这样的字眼：“17世纪出现了巴洛克美术”、“18世纪洛可可风格在法国兴起”、“19世纪中期是现实主义美术蓬勃兴旺的时期”。被主流大众所接受，才能流传至今的东西，被我们看成当时的艺术，而能够名留青史的却只有屈指可数的几人。因而有时我也会想，如果你发现了某幅因为种种原因而保存到现在的一幅画作，如果它的一切特征都在显示这是一幅印象主义的作品，而最终你被告知它完成于17世纪，而书上没有告诉我们17世纪曾经出现过印象主义。是不是想为那位不知名的画家叹息呢？但时代的作用是巨大的，这种情况我想也不会经常发生，首先就算有，因为当时不被认为是有价值的，因而连流传至今的可能都没有。更何况历史也会出现断层，我们能做的只是在欣赏过去的同时不断前进。当然，那些从事发扬美的画家，无论他们笔下的美是来自美好的事物或丑恶的事物——对于艺术家来说有时候丑恶中也有美存在，那种唤醒生命的，惊人的美。在他们的画中也有思考，哲学的思想，并不为所有人所理解的，而不仅仅是表现美的，当然对于理解它们的人来说那也许是美的。比如说，并不是所有人都会喜欢印象主义的画，人们一开始还因为太抽象而将之视为劣质品。 最后我们欣赏到了中国的美术。外国的绘画或建筑艺术，无论他们有多精致，多写实，总给人一种疏离感。而中国的艺术，那些黑色的墨迹，行云流水一般在白纸上酝开，所表达的意境尽在不言中了。大象无形，至美无华。而中国的建筑艺术，其结构上巧夺天工一般的设计，与其周围的环境融为一体，诉说着更为贴近自然的情感。看着那些亭台楼阁，想象自己走在那雕廊画栋之间，觉得心都可以宁静下来，感受周围一丝的风吹与草动。那是一种真正的回归。 我一直都认为要有一定的文化积淀，才能对艺术品表达自己的鉴赏力，但我想有些人对好的艺术品有着天生的鉴赏力，因为美是共通的。而学习这门课程给我们提供了这样一个渠道，去了解和感受美术背后的故事。如果说科学技术教会我们的是如何生存的话，那么美术和其他艺术形式，则教会我们的是看待生活的方式。有了它们，生活才是完整的。美术欣赏是一种特殊的复杂的精神活动，是人们在接受美术作品过程中经过玩味,领略,产生喜悦,爱好的过程。它对于提高的人艺术素养,陶冶人的思想情操,开阔视野,扩大知识领域,具有重要作用。我通过一段时间的学习，通过美术欣赏得到了一些心得。 美术是一种视觉艺术，在欣赏过程中，经过反复观赏品味，由表及里地感受艺术品的丰富内涵，画中美的动人的艺术形象和色调，不仅能使观赏者得到视觉上的快感，而且可以从它的内容上体验到作品中体现的情绪和思想感情，加深了对社会生活美、艺术美的感受能力，唤起了创造美的意念。 我国的美术具有悠久的历史和独特的艺术传统，经过各个时期艺术家艰苦奋斗，创造出灿烂多彩的文化。仅以中国绘画为例，不但指大量传世的卷轴画，还包括彩陶纹样、青铜器纹饰、帛画、漆画、画像砖、画像石、壁画、民间年画等，它们宛如烂漫春花，辉映艺苑。这些举世瞩目的艺术瑰宝，浩如烟海。因此，了解和欣赏祖国丰富的美术作品，可以使我们认识我国优秀的民族遗产，领会古代艺术美，从而产生爱国主义精神和民族自豪感。
从整体的美术活动过程看，美术欣赏是美术活动中重要的组成方面，是美术创作和美术作品实现其价值和意义的基本环节和途径。如果说，美术创作是创造美术价值的活动，美术作品（即创作成果）是美术价值的载体，那么美术欣赏和接受则是实现美术价值的活动，同时又是反作用于美术创作的活动。在本质意义上，美术家精心创造各种各样美术作品的目的，决不是纯粹的个人自娱行为，而是通过美术
形象将自己的审美情感和审美认识传达给人们，从而引起人们的认同和共鸣，使作品达到产生一定社会审美效应的目的性。而达到这一目的的途径只能是欣赏。没有美术欣赏活动，美术创作和美术作品就都不能实现自身的价值，最后完成自己的使命。 美术创作和美术鉴赏也有很密切的关系。美术创作与美术欣赏是美术活动的两个方面，并且是相互联系、相互推动的两个方面。一方面，美术创作不仅创造了美术作品，而且也生产了美术作品的欣赏者。另一方面，美术欣赏不仅最终实现着美术创作和美术作品的价值，也反作用于美术创作。欣赏者的审美需求、品味和消费能力构成了不同时代的不同的美术标准和不同的美术价值圈。各个时代的最高层次的美术价值圈，要求并创造着属于他自己的杰出美术家和美术作品。 我们生活中离不开审美活动的过程，即感受美、理解美、创造美或审美的发现、艺术的构思、情感的表达。因为我们在创作活动中，“不仅是单纯的美术技法，而是艺术情感的表达来实现审美的价值。”„ 美术欣赏具有调节精神与情绪的节奏，丰富学习内容能使人赏心悦目，心旷神怡。还能进化我们的生活。如：学习书籍装帧到为自己装饰笔记本与作业本，从学习服装设计地没自己装扮衣服，从学习环境艺术到没自己美化居室等等。这就是一些美化生活促进学生动手能力的表现。 由于长期以来我们都是接受应试教育，中学时代对于美术也没有很深的了解。对美术的了解也仅限于一周一次的美术课。
所了解的也只是几幅名画而已更别提美术鉴赏跟创作了。通过这次的学习使我对美术有了一个比较系统的了解，了解了国内外的一些美术知识，也能够知道一些美术作品的创作的理念。总得说来就是有初步的鉴赏能力，但是离精通还是有非常大的距离。 我个人觉得这次的学习对于我个人的修养和美术知识都得到了很大程度的提高。同时也改变了我一直以来对于美术的观念。以前我总认为美术并不重要，考试也不会考。只有专门学习美术的人才需要认识美术了解美术精通美术。但是现在我发现美术不是画画这么简单，其实美术可以表现很多内容，尽管绝大多数情况我自己都看不懂。 以上就是我学习美术欣赏的学习心得，我觉得这次的学习让我受益匪浅。
【篇3】美术鉴赏论文
博大精深、源远流长往往是形容我国古代艺术文化、悠久历史的最佳词汇。一个线条，一个轮廓，一抹色彩，看似简简单单的几笔，画家却能够用远近呼应、以动衬静等手法将人物、山水表现得淋漓尽致、唯妙唯俏，这就是我们中国古代绘画的精髓所在!
从远古的陶瓷绘画，到魏晋的墓室彩绘砖，再到隋唐的壁画，个人感觉，相比较于西方油画的死板，我们中国美术讲究的是形散神聚，画家们举手投足之间一挥笔墨，就能表达自己对人物、事物的态度与看法——不论是一种巫术，还是讽刺官僚、表现民生疾苦，抑或是细致刻画某种动物等等。通过这几次选修课，我觉得古代的画家不仅仅是画家，他们往往能够用笔墨批判现实或者是表达某种愿望或抱负，总之，绘画的目的已经远远超越了欣赏，我们能够从众多的绘画之中感受到它们所带来的内涵美、意境美，这也是值得我们去欣赏、去研究的地方!
在美术鉴赏这门课中，我印象最深的就是顾恺之大师。顾恺之，字长康，晋陵无锡(今江苏无锡)人。顾恺之博学有才气，工诗赋、书法，尤善绘画。精于人像、佛像、禽兽、山水等，时人称之为三绝：画绝、文绝和痴绝。谢安深重之，以为苍生以来未之有。顾恺之与曹不兴、陆探微、张僧繇合称“六朝四大家”。
顾恺之作画，意在传神，其“迁想妙得”“以形写神”等论点，为中国传统绘画的发展奠定了基础。老师上课细心地讲述了洛神赋的故事，《洛神赋》是古代有名的诗人曹植用神话隐喻着失落了爱情的感伤的诗篇《洛神赋》，是中国古代文学中的一篇重要作品。曹植所爱的女子甄氏，在他的父亲曹操的决定下，为他的哥哥曹丕夺去。甄氏在曹丕那里，没有得到稳固的爱情死得很惨，她死后，曹丕把甄氏遗留的玉镂金带枕给了曹植。曹植在回归他自己的封地的路上经过洛水，夜晚梦见了甄氏来会他，悲痛之余作了一篇《感甄赋》，塑造了洛神的动人形象，也就是被他美化了情人的形象，甄氏的儿子曹叡将它改名为《洛神赋》。
恺之知识渊博而有才气，擅长诗赋、书法，尤其精通绘画。工人像、佛像、禽兽、山水等。当时有“才绝、画绝、痴绝”之称。他的画师法卫协而又有所变化，他的画有敷染容貌，以浓色微加点缀，不求晕饰;笔迹周密，紧劲连绵，如春蚕吐丝，春云浮空的特点。史有以曹不兴、顾恺之、陆探微、张僧繇合称“六朝四大家”。精通画论，其“迁想妙得”、“以形写神”等论点，对我国传统绘画的发展，影响很大。
而在我国古代鼎盛的唐朝唐太宗时期，也不乏优秀的作品出现。比如在《步辇图》中，唐太宗被一群宫女所环绕、包围起来，并且就连座椅都是宫女们抬起来的，这些许表现了阎立本对当时唐太宗、当时整个唐朝的不满与讽刺，但同时，从来使的衣着与恭敬地神情以及唐太宗面庞的丰润、目光深邃、神态威仪而不失和蔼也能充分展露出盛唐一代明君的风范、一种神圣不可侵犯的威严所在。可谓是既表现了对吐蕃的蔑视，又在表现唐太宗风貌的同时表达了自己对唐朝不敢与吐蕃对抗的看法和讽刺。
古代绘画给我留下无穷的回味，而当代大师的作品亦能展现出中华民族的灵魂所在。
“痴于绘画，能书。偶为辞章，颇抒己怀。好读书由，略通古今之变。”一代书画名家范曾用这二十四个字评价自己。
范曾，字十翼，别署抱冲斋主，江苏南通人，当代中国著名的国画大师，开人物画一代风气之先。作品熔山水花鸟人物于一炉，集诗、书、画三绝于一身，在绘画语言上有创新，功力不凡。他的古代人物画，识者谓其气韵生动，神彩飞扬，精湛娴熟，笔力遒劲，线条简括，形象生动。
《鬼才范曾》封底上的那幅《钟馗雅趣图》，正是范老“鬼才”的一个集中表现。范老擅作写意人物泼墨人物，力追古代梁楷、法常诸人，笔墨浑厚，造型生动。他继承了南宋梁楷以来简笔泼墨的手法，形成了自己独特的风格。其人物作品之传神，固出于其才气之敏悟与博学好思之修养，至于其笔墨之能得其神，则应出于其锲而不舍的勤奋和努力。这幅《钟馗雅趣图》
1.笔法洗练、形象生动豪放。简单几笔构型有状，神采豪放，线条有样，生动鲜活。钟馗的坦胸开衫的简洁笔法将健硕洒脱的形象描绘得入木三分。卧蚕双眉，红脸多髯，使钟馗的戾气渐隐，英气伶伶俐俐的流露出一点点，不可谓不惟妙惟肖。颈肩与手部的洗练线条使人物更具质感，跃然纸上。
2.用墨有方，浓淡变化得体，则墨色活泼精神，有光彩，妙趣横生。前人论画谓“气韵生动”，常以用墨佳劣为主要衡量标准不是没有道理的。当然，一幅画是否达到“气韵生动”，还包括画体的内在精神刻画，作者情感的传递，以及用笔能否恰如其分地再现主客体的谐调一致。所有这些最终还是要靠墨色的变幻来体现的。
这幅《钟馗雅趣图》用墨也是十分精巧。墨色丰富,“墨分五色”既有变化又有统一。钟馗的衣衫以浅淡与中度墨色为主，将白衫的褶皱与光影差别以不同于西方素描的写意手法行云流水般的表现出来。而浓密的髯发更是展现出范老用墨的不俗功底，纠结浓密却不凌乱，恣意张扬却不繁杂，渐变与层次感以一种特有的手法显露，下笔犹如闲庭信步一气呵成。最可赏的便是范老整个人物的笔触与构图，人物有骨有肉，多利丰筋，形象饱满。
3构思精巧，构图简洁爽利，人物神态传神，别有妙趣。范老多画钟馗，这幅却备受瞩目，这和此幅钟馗的“与众不同”大有干系，是范老的“鬼气”赋予了此画别样的感受。范老打破传统，一改钟馗凶神恶煞的民间形象，以雅趣为旨，将钟馗塑造成一位气质介于文人与武将之间的另类，使人顿感新意。而右肩上的小鬼不再抱头鼠窜而是站在肩头搔弄。旧往打鬼擒妖的鬼判官钟馗，在画中以这些情态出现，诧异者有之，不解者有之，无奈者有之，最终却化作一笑，独品出另一味道。这种超脱出传统拘泥的作品，不愧为鬼才的画作。
其实，个人认为，我觉得中国绘画是最能彰显我国文化特色的历史产物，我国拥有着五千年的深厚底蕴，这不仅仅包括历史，更囊括着我国五千年来的文化积淀。
面对文化，我们要有一种使命感，维护我国文化积淀、传承我国文化瑰宝;面对艺术，我们要有一个积极的心态，发现生活之美、感受来自于艺术的强大力量;面对美术，我们要有一个欣赏的思想，发现生活的不同、感受来自美术的无限魅力。
【篇4】美术鉴赏论文
摘要：美术欣赏和美术鉴赏都是形象思维过程，欣赏偏重于单纯的审美愉悦享受，鉴赏更多的是理性的认识。鉴赏是感情与认识相统一的精神活动，从作品的艺术形象中获得美的感受，并自觉地运用自己的全部知识来加深对艺术形象的理解。欣赏是感性的，鉴赏是理性的。
关键词：欣赏；鉴赏；感性与理性；精神活动
中图分类号：G632文献标识码：B文章编号：1002-7661（20_）07-029-01
美术作品是视觉艺术享受，美术家创造的美术作品是供人们观赏的，但由于观赏者所受的教育和生活阅历不同，所以对美术作品的观赏态度和方法也不同，整体可分为两种类型：美术欣赏与美术鉴赏。
一、美术欣赏与美术鉴赏的区别和联系
一幅美术作品呈现在观赏者面前时，不同层次的观赏者对作品产生的直观反映不同，许多观赏者凭着自己的直觉，直观地接受美术作品中与自己审美情趣相似的艺术形象，所以多是感性的，表面的，这种偏于感性和带有主观喜爱的随意性的观赏，就是一般意义上的审美活动，即美术欣赏。由于作品的可视性，欣赏者也会自然进行某种联想和想象，但都是从自身的喜好出发，缺乏理性的分析和判断，欣赏只是审美活动的初级阶段。
鉴赏，是在欣赏的基础上产生的一种感受与理解，感情与认识相统一的精神活动，从作品的艺术形象中获得美的感受，并自觉地运用自己的全部知识来加深对艺术形象的理解，比如，运用自己的美术知识：不同材料塑造出艺术形象的特点是什么、美术作品表达的时代背景、艺术内涵、各种技法的运用等，这对一般的欣赏者来说是做不到的，鉴赏者在艺术鉴赏过程中以作品中的形象为诱导，调动自己的思想感情和生活经验去感受和品味艺术形象所蕴含的美。同时运用自己掌握的知识去理解作品所蕴含的人生哲理和社会意义
鉴赏过程中感性、理性相互渗透，鉴赏者对作品产生的感性美是瞬间的，随反复多次的观赏进入冷静思考阶段，把自己的美术知识溶进作品，从而体味到艺术形象所含的思想意义和形式美，并不断深化理解，获得新的审美享受过程。
由此可见，美术欣赏和美术鉴赏都是形象思维过程，欣赏偏重于单纯的审美愉悦享受，鉴赏更多的是理性的认识，任何人都可成为美术欣赏者，但不是都能成为鉴赏者。但鉴赏者也要通过知识运用正确的鉴赏方法。
二、美术鉴赏的意义
美术鉴赏是对作品中所体现的美的追求和发现。任何一幅美术作品都是作者从自己所处的时代、生活和思想感情出发，借助艺术形象表达自己的情感、认知。美术鉴赏者就是要在美术家创造的作品中寻求和发现美，以获得启迪和美的享受。生活中，美无处不在，但缺少对美的发现，那么，美术作品就是发现美，创造美的一种手段，而美术鉴赏则是从作品中再发现美的一种能力，鉴赏作品中艺术形象的美不是靠推理，而是从审美层面，运用审美知识、审美情感对艺术形象进行品味、鉴别、判断，发现其真伪、优劣、美丑，发现艺术风格、艺术流派及艺术表现、个性特点，美术鉴赏其实就是“美的发现”。
只有美的艺术形象才能引起观赏者的美感和情感，例如许多美术家喜欢画竹子，其实，自然界的竹子本无什么思想和性格，但是物性与人性有许多共通之处，自然界的竹枝内空而外有节，正应“气节”二字，所以画家笔下的竹子就被赋予了人的思想感情和个性了。我们知道清代书画家郑板桥的竹子享有盛誉，他本人对腐败的现实不满，他坎坷而不屈服的个性与竹性相同，于是借竹的“气节”来书写自己的性情品格，所画墨竹挺拔遒劲，老篁新枝错落有致，疏密有别，水墨浓淡枯湿富有变化，达到形式和精神完美统一，因此我们在鉴赏郑板桥的竹子，就要发现画家寄托于竹子身上的特殊情感和认识，发现、体味他所写的竹子的独特的美。
三、学会鉴别不同风格的美
学会鉴别不同艺术风格的美，艺术风格是艺术家个人风格和创作个性在艺术创作中的体现，是不同的审美理想、审美情趣在创作中的反映。比如，达芬奇的绘画充满科学和智慧，米开朗基罗的雕塑充满力量、勇敢，拉斐尔的绘画充满祥和、温柔、美丽。他们三位艺术家同处于一个时期，但风格完全不同，使我们在鉴赏过程中获得不同的审美享受。
鉴赏中欣赏和发现美的另一层含义是在鉴赏中发现自我，郑板桥的竹子深受欢迎，说明我们内心深处有与竹子相似的“气节”性格，在鉴赏中发现鉴赏者自己，从而得到一种自我发现的喜悦。艺术形象中有“我”的思想感情、爱好趣味或理想的影子，而“我”能鉴赏对象中的美，又是因为“我中有物”，所以鉴赏艺术形象时，也常常处于自我欣赏、自我肯定的精神世界。
总之，美术鉴赏是对美的追求和享受，美术的本质就在于使观赏者感到愉悦，我们鉴赏美术品，目的是从作品中获得美和享受美的愉悦感，这是精神的享受，这种享受来自两个方面，一是发现艺术形象的美，另一方面发现、获取艺术形象的真谛，我们将运用鉴赏的知识在日常生活中发现美、创造美。
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【篇5】美术鉴赏论文
摘要：普通高中美术课程是整个高中课程领域中的一门必修课程，它对于提高学生的整体素质，发展学生的审美能力，培养学生的创新精神和实践能力具有积极的作用。在美术鉴赏过程中，鉴赏者是主体，没有学生的主体行为，仅靠教师的讲授，就没有真正意义上的鉴赏活动。
关键词：美术鉴赏、新课程、体验、多媒体、
美术鉴赏是对美术作品进行欣赏与评价，是运用感知、经验和知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，从而获得审美享受，并理解其作品背后的艺术现象的活动。可以看出美术鉴赏教学不仅仅是将艺术大师的杰作展示给学生看，更重要的是通过美术学习让学生自己具有独立思考、评价、反思作品的能力。并在鉴赏之后运用已有的知识表达自己的观点，进行独立创作。目前美术鉴赏课的现况：
受高考应试教育的影响，我们过去的教学过多完全忘记学生才是课堂的主体，而只是让学生记住我们教学规定的作品的理论评价，用固定的美术欣赏方法去欣赏，学生不能大胆地表达自己的想法，美术课同其他的应试学科一样死气沉沉，没有想象，没有创造。有时为了活课堂气氛，引起学生注意，教师就大讲特讲美术方面的细节，如某个画家的风流韵事，或某幅作品的拍卖价格风暴，或就是他所经历的人与事，学生听得倒是颇有味道，一笑而过，待教师再回到正题上时，才发觉已经离题千里。在高中的美术鉴赏课上，光是谈画面讲故事是不能让学生真正领会那美术作品背后的文化天地，美术鉴赏课自然成了高中生的“休息课”了，再次，在今天这个信息爆炸、媒体众多的社会里，课本上的图片知识内容已不再新鲜且缺少生动性，无法激起学生的学习兴趣，因此，即使教师企图用启发式的教学方法来调动学生的积极性，但被提问的学生也只是照着书本干巴巴地念上两句而已。从深层次看，是我们原有的教学模式已不能适应当前教学的现实情况，本人结合自己的美术教学工作，做了一些尝试探索。
一、主持人式美术鉴赏
作为一名青年教师，有很多的教学方法都应大胆尝试。在一堂美术鉴赏课上，我要讲述中国古代的陶器与瓷器。由于很多同学来自农村，家里还保存有陶制的“缸”“瓮”我请每个同学讲解对这种陶器的特点，如颜色，质地及原料构成。当把每个同学的描述归纳在一起后，恰恰就是课文中对陶器定义的描述。同时，我也借助网络，整理了很多有关陶器的资料，通过多媒体展示给全班同学。
在我与同学们的共同讲解下，我和学生们知道了很多从课本上不能了解的东西：陶器是指以粘土为胎，经过手捏、轮制、模塑等方法加工成型后，在800—1000℃高温下焙烧而成的物品，坯体不透明，有微孔，具有吸水性，叩之声音不清。陶器可区分为细陶和粗陶，白色或有色，无釉或有釉。
课后，我综合了学生对这堂课的看法，这些看法对我进行节目主持人式的教学的构思是大有裨益的：学生表示喜欢主持人式的教师，“这样可以让课堂变得更为轻松”，“主持人一定不乏幽默感，讲起课来肯定有趣，决不会让人恹恹欲睡”，“这样的老师更富有魅力，课堂内容也鲜活多彩”，极少数同学则认为那样课堂可能会失控；学生表示很乐意接受课堂上进行比赛这种教学形式，他们对老师展示的大量图片也很感兴趣。学生普遍认为更多的图片和课外知识能使他们视野更为宽阔，优秀的课件能使他们提高课堂效率，增强学习的积极性。经过实践，我发现做一位主持人式的教师，必须要做到以下几点：教师要放下架子，走近学生，用启发、鼓励的方法，活泼幽默的语言与学生展开交流，让每一位同学都能积极、主动的参与其中；积极培育竞争的课堂气氛，调动学生积极性；在授课过程中教师要灵活运用课本，并尽自己所能去开拓学生的视野。
二、实践中式鉴赏
在美术鉴赏课中一般比较重视对理论知识的探讨和理解，教学手段主要是看图片，然后就是你说我说，手段的单一性不仅令学生感到乏味，教师也觉得疲惫，学过的东西很快忘记，常言道“动口不如动手”，我鼓励学生进行大胆和可能的尝试，着重感受、体验和兴
趣培养。教师对活动结果的评价应具有较大的宽容性，比如：在讲授完我国民间剪纸时，可要求学生根据所讲内容自己折剪，即让学生动手“剪一剪”，几分钟后通过实物展示学生自己的作品，让学生体验成功的感觉并与众人分享。这类作业要求在设计时目标明确，作业便于完成，作画工具简单，这样的教学活动效果良好，当学生们看到自己的作品通过实物投影被展示出来时，都喜滋滋的，每位同学都有成就感。
三、多媒体网络式鉴赏
现在的教学基本上都通过多媒体来完成，而美术鉴赏教学更加离不开多媒体的应用。不仅教师喜欢上网收集教学资料，现代的学生也喜欢上网，并成为一种现代的学习方法。高中生在小城镇里也很难见到画展、雕塑展等。但网络却能给学生打开一扇无所不能的窗，不论是画家、作品、背景、还有各种画派、画种等等，应有尽有，学生通过完成教师布置的网络欣赏作业，可以对作品进行巩固、拓展延伸。在鉴赏外国美术作品时，学生往往对作者和作品的历史年代以及时代背景一无所知，理解起来十分困难，这时网络就成了很好的帮手。比如：在教学欣赏法国画家德拉克罗瓦的《自由引导人民》这一作品时，我们让学生通过百度等搜索引擎，输入作者的名字“德拉克罗瓦”，这样就可以查到大量与作者相关的文字资料和更多的作品。学生不但体会了《自由引导人民》这一作品，还了解了作品的背景，表达19世纪的社会生活、精神生活突出了个性和情感的价值，而且对画家和作品有了更深的了解。新课程的实施向我们每位教师提出了新的挑战，为学生而教，据学情而教，做到每课有反思，让我们倾听学生的声音，作为学生的美术学习与身心发展的促进者，帮助每位同学成为“一个有艺术修养的人”（马克思语），培养他们健康的审美情趣、提高审美能力，形成热爱本民族传统文化，尊重外国优秀文化成果的情感和态度。
【篇6】美术鉴赏论文
摘要：美术鉴赏课是高校为加强素质教育、提高学生艺术修养而开设的一门公共艺术选修课。美术鉴赏课在培养学生审美能力和强化学生美术素质上，有着不容忽视的作用，在培养学生创新精神的过程中同样具有重要的地位和作用。高校美术鉴赏课的开设，进一步促进了大学生的自由和谐发展。
关键词：美术鉴赏高校素质教育作用
随着教育体制的深化改革和社会主义市场经济体制的逐步确立，美术鉴赏课逐渐融传授知识、培养能力、提高素质为一体。美术鉴赏课在高校的开设，进一步促进了大学生的自由和谐发展，为造就合格的人才服务。那么，美术鉴赏课对大学生的全面而深刻的影响体现在哪些方面呢？笔者认为表现在以下几方面：
一、以美引善
蔡元培先生大力提倡“以美育代宗教”，就是因为作为“美育”的重要载体之一的美术有辅助道德进步的教育功能。大学生的思想品德不是先天具有的，也不是后天自发形成的，而是在社会、家庭，特别是在学校教育中形成和发展起来的。美术鉴赏课就是学校的教育课程之一。
人的道德理想、道德认识、道德情感、道德行为建立在审美的基础之上，并以美作为追求的价值取向。在思想道德素质养成过程中，美术鉴赏课把中外美术精品直接呈现给广大学生，使他们产生“直观”的美感。“审美带有令人解放的性质”（黑格尔语），能使人的主体性得到美的提升，前苏联教育家霍姆林斯基说过：“美是人的道德财富的源泉。”高校的美术鉴赏课是普通美术教育工作在高校的一种延续，是一种富有强烈艺术感染力的审美教育。这种审美教育是通过鉴赏美术作品的意境、线条、色彩、构图、肌理、空间及作者创作背景等完成的，它可以把高度发展的社会理性转化为直观的、生动的感性形式，其中蕴含的政治思想内容、伦理道德内涵，均使受教育者在提高审美感受、表现能力的同时，心灵得到净化，道德情操得到升华，从而达到崇高的精神境界。生动的艺术形象和直观的构思，给青年学生以启迪、以感动，从美术作品中感受到美，精神上获得愉悦和满足，同时也在潜移默化中获取了很多人文知识，接受了思想道德教育，人的身心得以全面和谐的发展。
二、以美启真
素质教育应以培养学生的创新精神为重点。美术鉴赏课可以使学生以愉快的心理体验展开想象，现代心理学揭示，兴趣和愉快的心情可以为复杂繁重的智力活动提供最佳的情绪背景。好的美术作品，可以充分发挥学生丰富的想象力。爱因斯坦曾说过,想象力比知识更重要，因为知识是有限的，而想象力概括着世界上的一切，推动着进步，并且是知识进化的源泉。美术鉴赏可以使学生感知、注意、记忆联想、幻想、创造等思维能力得到发展。通过作品的鉴赏，可以提高学生的视觉感知能力，对各种色彩的象征义和引申义的理解会更加敏锐、协调，可以这样认为，美术鉴赏具有启迪智慧的作用。
美术鉴赏的过程是一种视觉思维的过程，也是鉴赏者审美创造的过程。它是鉴赏者通过对艺术家创造的艺术品的感受、想象、体验、理解和鉴别等一系列视觉思维活动，通过对艺术作品的欣赏，从而达到开阔视野、扩大认知领域，提高艺术素养和审美能力的目的。在美术鉴赏过程中，由于鉴赏者面对的是富于启发性的典型视觉形象，所以会自然地唤起种种有关的联想和想象。在联想和想象的作用下，通过特定艺术形象可以感知和认识更为丰富的内容。中国古代诗论中就有“象外之象，景外之景”之说，宋代诗人梅尧臣要求“作者得于心，览者会以意”。中国画的留白处理，正是留给鉴赏者想象的空间，这是鉴赏者对艺术作品再创造的过程。艺术作品不管表现得多么完整、具体，都留有广大的想象空间，这些空间需要鉴赏者通过联想和想象去丰富和发展，使鉴赏者形象思维能力得到进一步的培养与提高。美术鉴赏与美术创作一样，都是一个创造的过程，因此，鉴赏过程也是培养鉴赏者创造力的过程。
创造力的培养是素质教育的核心，美术鉴赏正适合这种创造心理的培养，尤其在美术鉴赏过程中对作品的色彩、比例、空间、节奏等视觉思维的训练，能在潜移默化中帮助学生开拓视野，培养学生具有丰富的空间想象力，开启思维的深度和广度。
三、以美怡情
身心素质包括体质、体能教育和心理教育。
首先，美术鉴赏对学生身体素质的提高大有裨益。如古希腊雕塑《掷铁饼者》就是力量与健美的和谐统一，这表明体质体能的发展过程就是按照美的原则、美的规律塑造美、追求美。在对《掷铁饼者》深入分析、鉴赏并进一步了解作品来龙去脉的同时，还能以健康的美感引发学生强健体魄的自觉性。如鉴赏古希腊雕塑《米洛斯的维纳斯》时，引导学生围绕人体美的标准进行讨论，通过美术鉴赏课帮助学生认识美的时代性、阶级性和多层次性，并转而欣赏“维纳斯”的古典、和谐、健康、自然之美。
其次，美术鉴赏对学生健全心理素质也是至关重要的。美术鉴赏课对学生进行心理素质教育的进程中，首先要培养学生的爱美心理，使他们对美有一个正确的认识和概念，学会欣赏美、鉴赏美、表现美。优秀的美术作品都是作者对自然、人生和社会的理解，是创作者心灵的表露，所以在美术鉴赏中，广大学生可以通过艺术作品这一媒介与作者进行心灵对话，使自己的心灵得到熏陶、感染、净化与提升，从而使学生的认知心理、情性心理、社会心理得到和谐发展。此外，美术鉴赏还可以通过各种形式和方法培养学生的宽容心理和创造心理等。
总之，美术鉴赏中的各个方面、各个环节无一不关联着素质教育，关联着学生自由和谐的发展。20_年9月10日，胡锦涛主席发表了关于美育的讲话，在讲话中他这样讲道：“实施素质教育，必须把德育、智育、体育、美育等有机地统一在教育活动的各个环节中，促进学生的全面和健康发展。”只有这样，我们才能实现素质教育的目标，造就出大批具有创新精神、创新思维、创造能力并自由和谐发展的优秀人才。
参考文献：
[1]张道一主编《美术鉴赏》，高等教育出版社，1998年
[2]陈洛加主编《美术鉴赏》，北京大学出版社，20_年
[3]减福军《美术教育与素质教育浅析》，原载于《黑龙江教育学院学报》，20_年第4期
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